Por: Regina Lemmi (regina_lemmi@usp.br)

O casal Francisca (Denise Weinberg) e Carlos (Cacá Amaral) encontra-se desamparado após o suicídio de seu único filho, Felipe. O par se separa e resta ao telespectador acompanhar a trajetória única de cada um dos personagens. Enquanto a mãe procura culpar os antidepressivos, o pai  mora no apartamento de seu filho, alienado pela vida do finado. Para retratar o luto, A metade de nós (2024) retoma visuais estéticos inacreditavelmente belos, que auxiliam na manutenção de uma narrativa coesiva e fúnebre. 

Em entrevista aos Cinéfilos, o diretor Flavio Botelho diz que “Todo luto é único”. Desde 2014, após o suicídio de sua irmã, o cineasta começou a produzir o longa, motivado pela pergunta de “Como sobreviver a isso?”. Após uma década, em apenas três meses, os atores ensaiaram para a gravação, empenhados em entregar uma grande homenagem a todos aqueles que perderam seus parentes.

O início do filme consiste em um flash forward, capaz de criar uma narrativa circular em que seu começo é o fim do longa. Em close-up médio, os protagonistas encaram a câmera e questionam um psiquiatra, que não aparece em cena. Suas interações demonstram-se confusas e entediantes propositalmente, a esposa não quer conversar e o marido finge que está tudo bem — até que seu choro no banheiro prova o contrário. 

A trajetória de Carlos se sobrepõe, por mais tempo em cena, à de Francisca. O pai demonstra-se curioso a entender o filho por meio do seu vizinho, com quem se relaciona sexualmente. Hugo era próximo de Felipe diante suas idades semelhantes. O filme não parece abordar as divergências etárias entre Carlos e Hugo e, diante disso, o telespectador compreende um protagonista absorto e alheio à realidade de sua vida diante o pesar. Ele tenta conciliar-se no luto por meio da natação e rememoração dócil sobre a infância de seu filho, o que influencia uma quebra no teor trágico. A dor apenas se realça em seus choros às escondidas, algo que faz o espectador ter compaixão pelo personagem,  sentindo um embolar na garganta, por exemplo,  na cena em que Carlos limpa as marcas da parede onde seu filho se matou. 

Já Francisca apresenta uma história modesta. Sua trajetória consiste na busca de vingança: vigia o médico pela janela de um apartamento à venda, do outro lado da rua. Sua negação e raiva silenciosas externalizam uma pequena porção de sua sensação de culpa, a qual tenta transferir ao psiquiatra pelo diagnóstico dado a Felipe. Inicialmente, ela se recusa aceitar o quadro “O homem-rato”, pintado por Felipe em tons de cinza e baseado em pinturas do filho do colaborador, Andrés Bruzzone. A mãe, entretanto, concorda em cuidar da cadela do morto. 

A obra cinematográfica surpreende pelo enquadramento simétrico para a narrativa. Esse é um filme que compromete-se a mostrar, não apenas contar a história. O diretor utiliza de plano geral e planos médios, sem planos-sequência, para retratar a monotonia da vida em meio aos sentimentos cruciais na mente dos protagonistas. Sobretudo, os visuais da obra ofuscam as falas pontuais pouco densas. Dessa forma, o público atenta-se aos pequenos detalhes que a câmera ressalta, pois é o que ela aponta que importa. 

O puro silêncio das cenas concebe uma sensação de mal-estar ao telespectador. É por meio da internalização da fala que rondam-se os mil porquês nas mentes dos personagens. O momento em que Francisca guarda uma corda do filho morto em sua mochila, ou quando Carlos dobra as roupas de Felipe no guarda-roupa, entregam ao espectador pequenos lampejos de compadecimento. Por meio do silencioso, há uma mensagem clara a respeito da impossíbilidade de se apontar o motivo de uma tentativa de suicídio.

O longa cumpre a promessa de manter-se em uma simples premissa: discutir sobre o luto de maneira a olhar de outra forma à vida. O enfoque do filme não engloba a apresentação de um contexto a esses personagens, nem conta a história de Felipe. Mas apresenta o conforto, não apenas ao espectador, mas também aos produtores.

“O filme não é sobre suicídio, é sobre aqueles que foram deixados.
É sobre como sobreviver ao luto.”
Denise Weinberg

O final do longa retrata a consolação da natureza diante do luto. Não há uma cura para a pessoa enlutada, mas a capacidade inata da água da cachoeira e o bater do vento nas folhas entregam ao casal uma sensação de pacificidade após tantas emoções conturbadas. É um desfecho mais do que deslumbrante ao público. 

O filme está em cartaz nos cinemas. Confira o trailer: